Ci sono città come Roma e Atene in cui la storia è una presenza costante e pressoché ineludibile. I loro abitanti sono circondati da ogni tipo di vestigia e camminano in musei a cielo aperto, su terreni che custodiscono millenni di stratificazioni. Per chi si occupa di design questo rapporto con il genius loci della città porta a confrontarsi quotidianamente con un gigantesco archivio di forme, generando interrogativi su quanto attingere da questo patrimonio e, più in generale, quale sia la corretta relazione tra classico e contemporaneo. I designer Eleonora Carbone e Alessandro D’Angeli vivono a Roma, dove hanno fondato lo studio Næssi nel 2020, facendo convergere due carriere già avviate nell’architettura e nel design di prodotto. Da allora spaziano tra la progettazione di oggetti di largo consumo e le piccole serie per collezionisti, passando per la grafica e gli allestimenti, con due costanti: la passione per le connessioni trasversali (il nome Næssi allude proprio a questo, ai nessi tra concetti e persone) e l’impegno nel ricercare soluzioni formali che sappiano parlare la lingua di oggi mettendo a frutto le lezioni di ieri.
Per loro, fin dall’inizio, è stato impossibile ignorare le peculiarità della loro città. “Fondare uno studio di design a Roma implica, in qualche modo, un dialogo con un genius loci prepotente, straordinario e anche fagocitante”, spiega Eleonora Carbone. “Ci si può porre in tre modi: si può rifiutare e passare oltre; lo si può riproporre in modo letterale utilizzando stilemi e concetti universalmente noti; oppure è possibile relazionarsi col passato conoscendolo, ma distanziandosi quel tanto che basta per non esserne ingabbiati. Noi stiamo percorrendo questa terza strada”. La Roma antica è presente in diversi progetti curati da Næssi che, non a caso, portano nomi latini, anche se la loro romanità non si limita a questo aspetto.
La collezione di caraffe filtranti Otium progettata nel 2023 (Ichendorf Milano), per esempio, si ricollega idealmente alle forme dei contenitori etruschi e romani, ma anche al concetto latino di ozio come stasi produttiva, come elevazione dello spirito mentre si sta compiendo un gesto semplice, come sorseggiare una bevanda. I vasi Testae (2025) nascono invece dall’esplorazione di un luogo ben preciso: il monte Testaccio o ‘monte dei cocci’, un colle artificiale costruito in epoca imperiale con i detriti delle anfore che proprio lì, vicino al porto sul Tevere, venivano svuotate del loro contenuto e poi rotte e accatastate. Il frammento di terracotta, selezionato e moltiplicato, diventa il punto di partenza per un nuovo oggetto dal linguaggio contemporaneo. I tavoli in marmo Undated (2025), disegnati per la galleria milanese Movimento Gallery, hanno una struttura rigorosa e solida che ricorda quella degli edifici antichi, sorretti da colonne possenti.
“Ci piace pensare il classico non solo come un’eredità del passato ma come un elemento vitale in grado di contribuire al presente e al futuro: ogni giorno ci capita di aggiungere nuove voci alla nostra lista condivisa ‘Roma. Da visitare’. Quella tra noi e l’antico, però, è una conversazione circolare: non c’è osservato e osservatore, non c’è materia di ispirazione e materia ispirata e neppure inizio e conclusione. Si tratta, piuttosto, di un ping-pong continuo che prevede ricerca, elaborazioni e, successivamente, nuove elaborazioni della stessa materia”, chiarisce la designer.
Mentre Eleonora Carbone e Alessandro D’Angeli studiavano nella Città Eterna, ad Atene Harry Rigalo cominciava a interessarsi all’architettura guardandola da un punto di osservazione insolito: quello dei cantieri edili che fiorivano in città in preparazione delle Olimpiadi del 2004 e che ogni tanto si fermavano per restituire reperti archeologici. Lavorando tra impalcature e sacchi di cemento, Rigalo imparava da autodidatta il linguaggio della materia, capendo, per esempio, come si piega il metallo o quali caratteristiche deve avere una struttura per stare in piedi. Un’educazione pratica fatta di prove ed errori e, naturalmente, di incontri. “Ho conosciuto persone che facevano di tutto per trovare una dimensione creativa nel loro lavoro”, ricorda l’ex manovale, oggi designer e scultore. “A volte l’unico modo per sopportare la pressione, la fatica e la sensazione di avere a che fare con un compito ‘fuori scala’ è cercare di trasformare la propria porzione di lavoro in qualcosa di bello”.
Le creazioni di Rigalo, esposte di recente anche a Milano dalla galleria The Great Design Disaster, riflettono grande attenzione per il comportamento dei materiali e per i processi produttivi. Concepite come degli oggetti-totem in argilla grezza, che possono raggiungere quasi due metri d’altezza e solo in alcuni casi mantengono un accenno di funzione (sgabelli, tavolini o vasi), hanno forme morbide e primordiali, non prive di rimandi al mondo classico. Anche i loro nomi – Helmet, Isofagus, Tetrapous per esempio – sembrano evocare atmosfere elleniche in cui i racconti di creature mitologiche e semidei si mescolano ai ricordi d’infanzia. Sarebbe riduttivo, però, leggere solo quello: “Sono cresciuto in un ambiente nel quale la storia è molto presente e spesso ricca di implicazioni, ma nella mia pratica non funziona come un punto di riferimento”, spiega. “Mi interessa la creazione come partecipazione attiva al movimento del mondo, piuttosto che come rappresentazione di un passato già raccontato. Il mio lavoro non si nutre di forme specifiche o di vocabolari storici, ma comincia con il processo stesso, con la ricerca, attraverso la relazione diretta e fisica con il materiale, di un ideale di bellezza che sembra preesistere ed è stato perso o allontanato. Se emergono affinità con il mondo antico, le vedo più che altro come il risultato di una tensione verso la bellezza che appartiene all’uomo da sempre e non ha tempo”.
